Sortie du 8 septembre, Musée Rolin

Compte rendu de la sortie du mardi 8 septembre 2015

                Après avoir effectué une sortie photos dans les rues d’Autun dans le cadre du Projet Paysage, la seconde 7 s’est divisée en deux groupes pour la visite du Musée Rolin : le groupe 1 est parti en visite guidée sur le thème du symbolisme des couleurs avec Mme Thibaudet, et le groupe 2 est allé voir les salles romaines pour y étudier, entre autres, le médaillon de la mosaïque de Bellérophon.

Nous, c’est-à-dire le groupe 1, avons été accueillis par une guide (Mme Parmentier) qui nous a expliqué le but de la visite : le symbolisme de la couleur. Nous allions nous attarder dans certaines salles ; pas celles gallo-romaines ou romanes (la couleur s’étant mal conservée), mais celles à partir du XV^ème siècle, où on peut mener une étude plus approfondie.

Nous avons commencé par une introduction à la couleur : qu’est-ce que la couleur ?

Nous avons évoqué ensemble les noms de pigments, de colorants et de teinte ; puis Mme Parmentier nous a expliqué qu’avant tout la couleur était une perception, quelque chose qui se passait au niveau des yeux. Il s’agit en effet d’une onde électromagnétique qui, traversant la pupille et le cristallin, s’imprime sur la rétine et est transmise au cerveau pour être analysée. Nous avons appris que la couleur était donc une onde lumineuse qui pour être perçue par nos yeux avait besoin de lumière.

La guide nous a aussi parlé de la distinction entre couleurs primaires (rouge, vert, bleu) et secondaires (jaune, cyan, magenta). Les premières sont utilisées par les ordinateurs et tous les écrans plats, alors que les secondes servent à la peinture des tableaux, dont la couleur est due aux pigments.

Enfin, pour achever l’introduction, Mme Parmentier a évoqué l’omniprésence de la couleur : botanique, physique ou psychologie par exemple, sont autant de domaines qui envisagent et utilisent différemment la notion de couleur…

Elle a fini par en citer un nouvel angle d’approche : la dimension symbolique.

Nous avons alors commencé à observer les tableaux datant du XV^ème siècle. A cette époque, les peintres travaillaient en grande partie pour le clergé, qui leur commandait des œuvres destinées à raconter la Bible aux fidèles.

Au XV^ème siècle, l’art est figuratif, c’est-à-dire qu’il représente des personnages facilement identifiables, mais souvent sur un fond abstrait et uni, doré (couleur représentant le divin et que le rouge fait ressortir) et hérité de la tradition des icônes.

Un peu plus loin dans le XV^ème siècle, le fond doré commence à céder la place à une représentation plus réaliste où l’on voit apparaître de petits détails de paysage, un château au loin par exemple, ce qui marque le début de la représentation en perspective. Quelques décennies plus tard, le ciel, jusque-là doré, devient bleu. La peinture était alors soumise à des codes précis et symboliques, comme pour la taille des personnages (qui occupent une place proportionnelle à leur importance) ou pour la couleur, justement ; par exemple celle du fond ou des vêtements.

Le Triptyque de la Cène

Nous nous sommes intéressés au triptyque de la Cène. Il s’agit d’une œuvre extrêmement organisée, les lignes verticales et horizontales structurant le tableau à la manière d’un quadrillage. Jésus, figure majeure, est placé au milieu de la composition et porte une auréole, ce qui accentue encore son importance. Son repas avec les douze apôtres est figuré par une grande table nappée de blanc, symbole de la pureté mais qui sert aussi à faire ressortir les autres couleurs.

Les personnages sont disposés en demi-cercle autour de la table ; la guide a alors attiré notre attention sur un homme roux, tournant le dos au public, vêtu de jaune et portant une bourse au côté : ces détails indiquent à coup sûr qu’il s’agit de Judas. Les couleurs, en particulier, le montrent puisque le roux était associé à la sorcellerie et le jaune à la traîtrise.

Nous avons aussi appris la signification d’autres couleurs ; ainsi le vert, porté par le personnage de gauche au premier plan, symbolise l’espoir (et plus tardivement le jeu, puis le porte-malheur pour les comédiens, et enfin l’écologie à l’époque actuelle) et le rouge, le sang, la passion et donc la vie. La nuance pourpre sera longtemps associée au pouvoir et à l’influence, ce qui explique que Jésus soit drapé dans un manteau rouge.

Puis, avant de passer au tableau suivant, Mme Parmentier a précisé que le symbolisme des couleurs variait non seulement au cours du temps (comme le vert), mais aussi d’un pays à l’autre ; ainsi, d’un point de vue européen, le deuil est représenté par le noir, mais en Nouvelle-Calédonie par le blanc car il fait allusion aux fantômes.

La Nativité au Cardinal Rolin

Nous avons ensuite regardé la Nativité au Cardinal Rolin. Le caractère divin du tableau est défini en grande partie par les anges à côté du berceau de Jésus. Nous avons pu remarquer un personnage étranger à la scène, à droite, accompagné d’un petit chien (symbole de la fidélité). Cet homme est le Cardinal Rolin, le commanditaire du tableau, qui regarde dans le lointain pour montrer qu’il appartient à la dimension spirituelle. Quant à la composition du tableau, Mme Parmentier a pointé la Vierge, au centre, là c’était elle la figure principale. La blancheur extrême de son visage représente sa pureté et le bleu de son vêtement, teinte qui lui est propre, symbolise le ciel : Marie est donc le lien entre Dieu et le monde.

Enfin, la guide nous a expliqué comment, à l’époque, les peintres s’y prenaient pour peindre des ombres dans leurs tableaux : ils utilisaient une technique nommée « glacis ». C’était une superposition de très fines couches de peinture ; plus le peintre ajoutait de couches de peinture et plus la teinte s’assombrissait.

Ensuite, nous avons traversé une salle où se trouvait un tableau datant du début du XVII^ème  siècle. On y voyait un personnage habillé de noir avec une fraise blanche et tenant un enfant. A cette époque,

le glacis n’était plus utilisé et le noir du personnage avait un sens plus esthétique que religieux.

Nous sommes passés par une salle où étaient exposées des céramiques bleues, d’une couleur nommée « Bleu de Prusse » assez difficile à obtenir et dont les MPS réaliseront la synthèse cette année, puis nous sommes arrivés dans la salle où étaient exposés des tableaux d’un peintre local du XIX^ème  siècle, Louis Charlot.

Nous avons regardé un de ses tableaux, représentant une famille paysanne (la sienne) dans sa maison. Les couleurs utilisées sont très tristes (gris, noir), seul l’enfant,  avec son vêtement rouge (couleur de la vie), vient apporter une note de gaité et d’espoir.

Mme Parmentier nous a expliqué que l’apparition du tube de peinture a révolutionné le XIX^ème  siècle, permettant au peintre d’aller travailler dehors. Les tons changeants de l’extérieur sont traduits par de petites touches de couleurs (on ne peint plus par aplats), souvent complémentaires.

Elle a aussi évoqué une autre révolution, apparue au milieu du XIX^ème  siècle : la photographie. Elle nous a expliqué que cette simplification de la production d’un portrait allait entraîner la libération progressive des artistes par rapport à l’observation du réel et mener à une représentation de plus en plus abstraite.

En poursuivant notre chemin, nous avons traversé des salles contenant des œuvres des XVIII^ème  et XIX^ème siècles, dont un grand nombre représentait des sujets mythologiques, puis nous avons croisé quelques tableaux romantiques : notre guide nous a alors expliqué que l’arrivée du courant romantique avait coïncidé avec la baisse d’importance de la religion et que cela avait provoqué un sentiment de grande insécurité. Nous avons observé qu’en conséquence, la structure quadrillée des époques antérieures avait fait place à des diagonales retranscrivant l’instabilité des émotions.

Enfin, lorsque nous sommes parvenus à la dernière salle, nous avons pu voir plusieurs œuvres du XX^ème siècle, qui tendaient vers l’abstraction, géométrique (structurée) ou lyrique (sans structure). Mme Parmentier nous a expliqué que la sortie du réalisme datait des années 1900, et que par exemple, Picasso et Braque avaient « inventé » le « cubisme » dès 1906, et que la mode du « fauvisme » datait de 1905. Souvent alors, les artistes bousculaient les codes de la peinture pour se faire connaître.

En conclusion, nous avons réfléchi avec la guide à une définition de l’art : c’est un moyen d’expression répondant à un besoin de l’artiste, c’est une manière de communiquer. Il peut se destiner à un commanditaire (comme le clergé au Moyen-Âge), ou tout simplement au public, à ceux qui le verront. Enfin, il interagit avec le courant artistique, la mode et le vécu de ceux qu’il touche. Il existe aussi des liens entre plusieurs arts, aussi l’artiste Kandinsky associait-il musique et couleur : l’art s’étend en fait bien au-delà de la peinture. 

Sources images : 1) http://www.linternaute.com/musee/diaporama/1/7078/musee-rolin/5/32281/triptyque-de-l-eucharistie/

                            2) https://fr.wikipedia.org/wiki/Nativit%C3%A9_avec_le_portrait_du_cardinal_Jean_Rolin