Compte rendu de la sortie du mardi 8 septembre 2015
Après
avoir effectué une sortie photos dans les rues d’Autun dans le cadre du Projet
Paysage, la seconde 7 s’est divisée en deux groupes pour la visite du Musée
Rolin : le groupe 1 est parti en visite guidée sur le thème du symbolisme
des couleurs avec Mme Thibaudet, et le groupe 2 est allé voir les salles
romaines pour y étudier, entre autres, le médaillon de la mosaïque de
Bellérophon.
Nous, c’est-à-dire le groupe 1, avons été accueillis par une
guide (Mme Parmentier) qui nous a expliqué le but de la visite : le
symbolisme de la couleur. Nous allions nous attarder dans certaines
salles ; pas celles gallo-romaines ou romanes (la couleur s’étant mal
conservée), mais celles à partir du XVème siècle, où on peut mener
une étude plus approfondie.
Nous avons commencé par une introduction à la couleur :
qu’est-ce que la couleur ?
Nous avons évoqué ensemble les noms de pigments, de
colorants et de teinte ; puis Mme Parmentier nous a expliqué qu’avant tout
la couleur était une perception, quelque chose qui se passait au niveau des
yeux. Il s’agit en effet d’une onde électromagnétique qui, traversant la
pupille et le cristallin, s’imprime sur la rétine et est transmise au cerveau
pour être analysée. Nous avons appris que la couleur était donc une onde
lumineuse qui pour être perçue par nos yeux avait besoin de lumière.
La guide nous a aussi parlé de la distinction entre couleurs
primaires (rouge, vert, bleu) et secondaires (jaune, cyan, magenta). Les
premières sont utilisées par les ordinateurs et tous les écrans plats, alors
que les secondes servent à la peinture des tableaux, dont la couleur est due
aux pigments.
Enfin, pour
achever l’introduction, Mme Parmentier a évoqué l’omniprésence de la couleur :
botanique, physique ou psychologie par exemple, sont autant de domaines qui envisagent
et utilisent différemment la notion de couleur…
Elle a fini par en citer un nouvel angle d’approche : la
dimension symbolique.
Nous avons alors commencé à observer les tableaux datant du
XVème siècle. A cette époque, les peintres travaillaient en grande
partie pour le clergé, qui leur commandait des œuvres destinées à raconter la
Bible aux fidèles.
Au XVème siècle, l’art est figuratif,
c’est-à-dire qu’il représente des personnages facilement identifiables, mais
souvent sur un fond abstrait et uni, doré (couleur représentant le divin et que
le rouge fait ressortir) et hérité de la tradition des icônes.
Un peu plus loin dans le XVème siècle, le fond
doré commence à céder la place à une représentation plus réaliste où l’on voit
apparaître de petits détails de paysage, un château au loin par exemple, ce qui
marque le début de la représentation en perspective. Quelques décennies plus
tard, le ciel, jusque-là doré, devient bleu. La peinture était alors soumise à
des codes précis et symboliques, comme pour la taille des personnages (qui
occupent une place proportionnelle à leur importance) ou pour la couleur,
justement ; par exemple celle du fond ou des vêtements.
Le Triptyque de la Cène |
Nous nous sommes
intéressés au triptyque de la Cène. Il s’agit d’une œuvre extrêmement organisée,
les lignes verticales et horizontales structurant le tableau à la manière d’un
quadrillage. Jésus, figure majeure, est placé au milieu de la composition et
porte une auréole, ce qui accentue encore son importance. Son repas avec les
douze apôtres est figuré par une grande table nappée de blanc, symbole de la
pureté mais qui sert aussi à faire ressortir les autres couleurs.
Les personnages sont disposés en demi-cercle autour de la
table ; la guide a alors attiré notre attention sur un homme roux,
tournant le dos au public, vêtu de jaune et portant une bourse au côté :
ces détails indiquent à coup sûr qu’il s’agit de Judas. Les couleurs, en
particulier, le montrent puisque le roux était associé à la sorcellerie et le
jaune à la traîtrise.
Nous avons aussi appris la signification d’autres
couleurs ; ainsi le vert, porté par le personnage de gauche au premier
plan, symbolise l’espoir (et plus tardivement le jeu, puis le porte-malheur
pour les comédiens, et enfin l’écologie à l’époque actuelle) et le rouge, le
sang, la passion et donc la vie. La nuance pourpre sera longtemps associée au
pouvoir et à l’influence, ce qui explique que Jésus soit drapé dans un manteau
rouge.
Puis, avant de passer au tableau suivant, Mme Parmentier a
précisé que le symbolisme des couleurs variait non seulement au cours du temps
(comme le vert), mais aussi d’un pays à l’autre ; ainsi, d’un point de vue
européen, le deuil est représenté par le noir, mais en Nouvelle-Calédonie par
le blanc car il fait allusion aux fantômes.
La Nativité au Cardinal Rolin |
Nous avons ensuite regardé la Nativité au
Cardinal Rolin. Le caractère divin du tableau est défini en grande partie par
les anges à côté du berceau de Jésus. Nous avons pu remarquer un personnage
étranger à la scène, à droite, accompagné d’un petit chien (symbole de la
fidélité). Cet homme est le Cardinal Rolin, le commanditaire du tableau, qui
regarde dans le lointain pour montrer qu’il appartient à la dimension
spirituelle. Quant à la composition du tableau, Mme Parmentier a pointé la
Vierge, au centre, là c’était elle la figure principale. La blancheur extrême
de son visage représente sa pureté et le bleu de son vêtement, teinte qui lui
est propre, symbolise le ciel : Marie est donc le lien entre Dieu et le
monde.
Enfin, la guide nous a expliqué comment, à l’époque, les
peintres s’y prenaient pour peindre des ombres dans leurs tableaux : ils
utilisaient une technique nommée « glacis ». C’était une
superposition de très fines couches de peinture ; plus le peintre ajoutait
de couches de peinture et plus la teinte s’assombrissait.
Ensuite, nous avons traversé une salle où se trouvait un
tableau datant du début du XVIIème siècle.
On y voyait un personnage habillé de noir avec une fraise blanche et tenant un
enfant. A cette époque,
le glacis n’était plus utilisé et le noir du personnage
avait un sens plus esthétique que religieux.
Nous sommes passés par une salle où étaient exposées des
céramiques bleues, d’une couleur nommée « Bleu de Prusse » assez
difficile à obtenir et dont les MPS réaliseront la synthèse cette année, puis
nous sommes arrivés dans la salle où étaient exposés des tableaux d’un peintre
local du XIXème siècle, Louis
Charlot.
Nous avons
regardé un de ses tableaux, représentant une famille paysanne (la sienne) dans
sa maison. Les couleurs utilisées sont très tristes (gris, noir), seul l’enfant, avec son vêtement rouge (couleur de la vie),
vient apporter une note de gaité et d’espoir.
Mme
Parmentier nous a expliqué que l’apparition du tube de peinture a révolutionné
le XIXème siècle, permettant
au peintre d’aller travailler dehors. Les tons changeants de l’extérieur sont
traduits par de petites touches de couleurs (on ne peint plus par aplats),
souvent complémentaires.
Elle a aussi évoqué une autre révolution, apparue au milieu
du XIXème siècle : la
photographie. Elle nous a expliqué que cette simplification de la production
d’un portrait allait entraîner la libération progressive des artistes par
rapport à l’observation du réel et mener à une représentation de plus en plus abstraite.
En poursuivant notre chemin, nous avons traversé des salles
contenant des œuvres des XVIIIème et
XIXème siècles, dont un grand nombre représentait des sujets
mythologiques, puis nous avons croisé quelques tableaux romantiques :
notre guide nous a alors expliqué que l’arrivée du courant romantique avait
coïncidé avec la baisse d’importance de la religion et que cela avait provoqué
un sentiment de grande insécurité. Nous avons observé qu’en conséquence, la
structure quadrillée des époques antérieures avait fait place à des diagonales
retranscrivant l’instabilité des émotions.
Enfin, lorsque nous sommes parvenus à la dernière salle,
nous avons pu voir plusieurs œuvres du XXème siècle, qui tendaient
vers l’abstraction, géométrique (structurée) ou lyrique (sans structure). Mme
Parmentier nous a expliqué que la sortie du réalisme datait des années 1900, et
que par exemple, Picasso et Braque avaient « inventé » le
« cubisme » dès 1906, et que la mode du « fauvisme » datait
de 1905. Souvent alors, les artistes bousculaient les codes de la peinture pour
se faire connaître.
En conclusion, nous avons réfléchi avec la guide à une
définition de l’art : c’est un moyen d’expression répondant à un besoin de
l’artiste, c’est une manière de communiquer. Il peut se destiner à un commanditaire
(comme le clergé au Moyen-Âge), ou tout simplement au public, à ceux qui le
verront. Enfin, il interagit avec le courant artistique, la mode et le vécu de
ceux qu’il touche. Il existe aussi des liens entre plusieurs arts, aussi
l’artiste Kandinsky associait-il musique et couleur : l’art s’étend en
fait bien au-delà de la peinture.
Sources images : 1) http://www.linternaute.com/musee/diaporama/1/7078/musee-rolin/5/32281/triptyque-de-l-eucharistie/
2) https://fr.wikipedia.org/wiki/Nativit%C3%A9_avec_le_portrait_du_cardinal_Jean_Rolin
Un très bel article de Marguerite; Félicitations !
RépondreSupprimerUne très belle synthèse
RépondreSupprimerMerci ! J'ai beaucoup aimé cette sortie et ç'a été un vrai plaisir que de rédiger ce compte rendu !!
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